No quiero ver que nos dejas 'Miss Peaches'

 Etta James. Foto: Hall de la Fama.

 "That I don't wanna watch you leave me, baby..."

I'd rather be Blind.

El título de esta entrada, intenta parafrasear en parte, la letra de la canción escrita en el  epígráfe, queremos decir adiós a Miss Peaches, sobrenombre de Etta James, diva  del blues, el R&B y de los muchos ritmos del jazz y sus alrededores, desde este blog le decimos: no queremos ver que nos dejas. Sin duda, tras una vida de batallas y tormentas, se sobrepone, ante todo, el arte. Su voz es  se apagó el pasado 20 de enero.

Vídeo de At Last, uno de sus éxitos más versionados: 

Etta se encuentra en el puesto 22 de la revista Rolling Stones, dentro de la lista de los grandes cantantes de todos los tiempos. Sé que vivimos una época que le encanta el ranking, y que no hace falta ello para tenerla entre las grandes damas del jazz.

Desde acá nuestro adiós a una de las más grandes de la música... una voz irrepetible.

En uno de sus últimas grabaciones, una versión de Welcome to the Jungle.

Un poco más para leer sobre la cantante en el blog Autobús Mágico.

Espejos de la memoria 13: Anaïs Nin

Relatar la vida como una gran obra
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...Hay libros que se recuerdan como películas, gracias la potente capacidad evocadora de sus creadores. En mi mente deambulan los bohemios que habitaban París a finales de la década de los 30, sus reuniones en casa de alguno de ellos, la humanidad y temperamento de otros.

Casi de manera compulsiva, Anaïs Nin (Neully, Francia, 1903- Los Ángeles, 1977), comienza a escribir desde los 11 años una serie de diarios. De su etapa infantil o diarios primeros, le siguen los de la adultez, comprendidos entre 1931-1975 (aproximadamente). Los manuscritos alcanzan a unos 35 mil folios, lo que se traduce en una empresa titánica para un escritor.

Si bien es cierto que se dedicó a escribir relatos eróticos y novelas, lo mejor de su pluma se encuentra en dichos diarios, que siguen siendo, aparte de su narración íntima, una interesante crónica de un época y un espacio, profundamente creativo.

Son hermoso los episodios en los que narra su amistad con Jean Cocteau, además de la calidez con las que nos entrega su retrato del artista. Las descripciones de estas personalidades resultan sugerentes en su mayoría, y por lo que se presume, acertadas, como la que hace del padre del surrealismo:

"No podría encontrarse algo más surrealista que el propio André Bretón, con toda esa dignidad y ese ingenuo porte regio que tiene, con su largo cabello cepillado para mostrar su rostro de león, sus ojos grandes y sus rasgos osados, inclinándose a besar mi mano".

Nin nos entrega en los diversos tomos de sus diarios, sus memorias como protagonista directa del Zeitgeist (espíritu de un tiempo) en la que la sombra de la Segunda Guerra amenaza nuevamente a Europa, dejando a su vez poco espacio para el optimismo, y dándole vuelta a los fecundos ismos a los que pertenecían.

Pero en mayor o menor grado, los humanos sentimos debilidad por las anécdotas no oficiales (desde un perfil humano hasta el cotilleo puro y simple, pero refrescante) acerca de los grandes artistas.

Cómo olvidar el capítulo en la que la autora narra su estadía junto a Miller en una mansión en el campo en Hamptom Manor (EE UU), en la que de repente llega Dalí junto a su "insoportable" esposa Gala, que les ordenaba comparar pinturas cuando iban a la ciudad o hacer silencio mientras éste pintaba: "La señora Dalí nunca alzaba la voz, nunca se preocupaba po seducir o agradar. Daba por sentado, sin decirlo, que todos estábamos allí para servir a Dalí, el gran indiscutible genio".

Quedan registrados en sus páginas su cercanía con el psicoanálisis, de la mano de Otto Rank, discípulo de Freud, su famosa relación con Henry Miller, pero también desfilan personajes como Antonin Artaud, Alejo Carpentier, Charles Chaplin, Julio Cortázar, Lawrence Durrel o Margarite Duras, entre otros.

En otro capítulo, hace un esbozo de su breve encuentro con James Joyce, al que luego describió como malhumorado, adjudicándole parte de ello a que éste sufría de triquiasis, una patología que hace que las pestañas nazcan hacia dentro.

Como si fuesen fotogramas me quedan las escenas de la construcción de la pequeña imprenta en el estudio, o aquella otra en la que invita a sus amigos artistas a pintar las ventanas de su piso, a manera de vitrales. Me pregunto, quién habitaría luego ese piso, que otrora fue convertido en una pequeña catedral para la creación, imagino a la casera o el casero, echando abajo las ventanas. Dichas ventanas aún se sostienen, y por las tardes les atraviesa la luz, para eso está la memoria, recogida, en algunos miles de libros.

Female Trouble: mujeres como espejos (2)

Espejos de la memoria 12

Transformer (1973/74), autorretratos de Katharina Sieverding*.

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...Para continuar la entrega de la exposición Female trouble, en la que he decidido ir cronológicamente (desde la actualidad hacia atrás), antes de comenzar con una década, en la que pareciera brotar la fertilidad en el campo artístico, quiero retomar un artista, nacida en los 60 pero que su trabajo ha tenido repercusión a partir de los 90: la británica Sarah Lucas (Londres, 1962), quien participa con un vídeo-arte y una serie de autorretratos en los que con provocador desparpajo y mirada desafiante, nos delata una inconformidad y necesidad de echar abajo los roles inherentes a la sexualidad. Aparece de piernas abiertas y una calavera de por medio, en el váter o con dos huevos fritos como pechos...

Autorretrato (1990-98), Sarah Lucas*.

Los convulsos 60
Si hay una década que marca una ruptura sustancial en cuanto al arte contemporáneo, es la de la década del 60 y principios de los 70. De la muestra cabe destacar a la artista más radical, visceral y provocativa, quien estuviese entre las pioneras de la performance y dueña de un lenguaje potente y transgresor: Vallie Export (Austria, 1940). Los teóricos describen su trabajo como un acto estético, social y político. El feminismo como bandera necesaria para derribar con furia, los roles, profundamente machistas, herencia de los tiempos que le preceden (véanlo claramente en la serie Mad Men).

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Aktionhose Genitalpanik (1969), Valie Export*.

La artista utiliza su cuerpo como arma y, como narra Ángela Molina (El País), Vallie se presenta en un cine de Múnich, con un salvaje pelo punk, chaqueta de cuero, tacones y unos jeans con una abertura que deja ver, claramente, su sexo. Con una escopeta en sus manos (símbolo fálico por antonomasia), apuntaba a la cabeza de la gente: "Pánico general y desbandada. El sexo es un estado de ánimo, una violación de la mirada. Sade es una mujer". A esta acción la llamó: Aktionhose Genitalpanik (1969).
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Otra fotografía recoge un célebre performance: Aus de mappe der hundigkeit (1968), en la que una mujer arrastra a un hombre con un collar de perros por la calle, ante la mirada atónita y risas de los transeúntes.

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Sin título (Olga, 1979) de Birgit Jürgenssen.

También destaca dentro de la exposición la inquietante fotografía, de Birgit Jürgenssen (Viena 1949- 2003), proveniente de una serie de instantáneas, en las que aparece con un inusual disfraz de gato. La imagen es poderosa, llena de misterio y retrata un universo enigmático y similar al de los sueños.
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Performances (1972-1973) de Jügen Klauke*.

Excelente han sido, igualmente, las provocativas fotografías, producto de las performances (1972-1973) de Jürgen Klauke (Kliding, Alemania, 1943). En ellas, el artista aparece con una suerte de traje de novia, en el que están cosidas muchas vulvas de tela, o en algún momento, pechos en forma de penes erectos. Hay transgresión y una profunda intensidad en sus acciones-imágenes.
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Performances (1972-1973) de Jügen Klauke*.

En cuanto a este apartado de hombres (en el que todos son autorretratos) desde una postura o ser femeninos, además de Klauke y Mapplethore, está Urs Lüthi (Lucerna, Alemania, 1947) y Pierre Molinier (Agen, Francia, 1900 - Burdeos, 1976).
Lüthi juega con el tópico y se retrata hermosamente maquillado y unas plumas, el travestismo le sirve de búsqueda y reflexión, a través del cambio de roles.

.Autorretrato con boa (1970), fragmento. Urs Lüthi*

Molinier, que también recurre a códigos similares, va más allá. En sus fotos aparece con tacones y ligueros, en donde el erotismo se desborda en cada disparo de la cámara. Tal como apunta en su ensayo José Miguel Cortés, el artista convoca obsesivamente "el incesante fetichismo y travestimo narcisista". En sus fotos se recrea la disipación (a través de la fragmentación del cuerpo), la orgía imaginaria y solitaria, hecha de atrechos, prótesis y superposiciones de negativos.

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Autorretrato con máscara y rosa (1965-1967), Pierre Molinier*

*Reproducción de Imagen: Claudia Hernández

Ultima y próxima entrega, acerca de la exposición: Vintages

Female Trouble: mujeres como espejos

Espejos de la memoria 11

Fotografía de Cindy Sherman.

...Female Trouble (al igual que el título de la película de John Waters) es la maravillosa exposición que estará hasta finales de octubre en la Pinacoteca de arte moderno de Múnich. Una mirada a la mujer desde la mujer; el juego a través de la cámara, utilizada como espejo o medio para la representación (la máscara o lo teatral), celebrando la condición femenina o, revelándose ante los clichés y conductas que se le imponen como mujeres.

Female impersonator on a bed, Diane Arbus, 1961.

Desde las celebérrimas Cindy Sherman, Francesca Woodman, Diane Arbus, Nan Goldin, hasta las más recientes, Daniela Rossell, Pipilotti Rist, Tomoko Sawada exploran en cada uno de sus trabajos una identidad femenina, a veces desde el colectivo o desde lo íntimo. Una inclusión inteligente, dentro de la lectura de la exposición, ha sido el discurso de lo femenino de fotográfos y/o performancistas como Robert Mapplethore, Jürgen Klauke, Urs Lüthi o Pierre Molinier.

Miradas recientes

Este post lo estructuraré en un par de entregas. Comenzaré con el trabajo de artistas más recientes. En la exposición participan, apenas, dos latinoamericanas, Ana Mendieta (Habana 1948 -Nueva York, 1985), quien utiliza en una serie el cristal como "barrera" para autoexplorar su cuerpo en frente del visitante.

Hay cierta angustia que se evidencia en estos retratos, una desesperación por alcanzar esa visión que llega hasta la deformación de tanto querer acercarse.

Por otro lado, resalta especialmente el trabajo de la mexicana Daniela Rossell (México D.F., 1973) con su serie: Ricas y famosas. Como apuntó (acerca de esta serie) el gran Carlos Mosiváis, se deja ver: la metamorfosis del kitch a la alcurnia, y el sarcasmo se deja colar en los retratos de las millonarias mexicanas.
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De la serie: Ricas y famosas. Daniela Rossell

Los espacios dejan entrever su sospechoso buen gusto. Así, lucen orgullosas en sus mansiones, los modelitos de diseñadores en sus habitaciones rosas, felpudas y abigarradas, que rayan en el artificio, a lo que Mosiváis intuye como la posible: conversión del hábitat en el alma. Su trabajo lo inscriben dentro del nuevo documentalismo latinoamericano; la novedad, en vez de retratar a los indígenas mexicanos y sus coloridas fiestas, ha enfocado su búsqueda hacia una parte de la población también ajena para muchos, los muy muy ricos.

De la serie: Costume (2003). Tomoko Sawada.

El trabajo fotográfico de la japonesa Tomoko Sawada (Kobe, 1977) muestra también ironía, en el que a través de la mimetización a través del disfraz, explora los oficios de muchas mujeres japonesas. Si bien su manejo de lo estético y técnico es intachable, su trabajo me supone algo frío, y tal exploración de la identidad, en la que se ve una clara identificación con el trabajo de Cindy Sherman, se vuelve repetitiva en su concepto.

Igual ocurre con las fotografías de la francesas Sophie Calle (París, 1953), que como artista conceptual me parece realmente interesante, siendo el resultado de esta serie en particular, Days under the sing of B, C & W, irregular, a veces hay atisbo de pura poesía y por otro de superficialidad.

Días bajo el signo de la B. Sophie Calle.

La serie que se expone, traducida libremente como Días bajo el signo de la B, C y W, tiene un interesante génesis. Para resumirlo, siendo ella objeto de inspiración para un personaje de una novela de Paul Auster, ella luego le pidió que de alguna forma escribiera "su" personaje de la vida real. Ante tal despropósito que raya en el vértigo, el autor se negó, pero igual le envió unas Instrucciones personales a fin de mejorar la vida en Nueva York. En ella acumulaba una serie de consejos como sonreír, hablar con desconocidos... y "vivir cada día bajo el imperio de una letra del abecedario".

Entrevista ADN la Nación (Argentina) a Sophie Calle.

Imágenes en movimiento
Dos artistas participan con sendas videoinstalaciones, la subversiva Pipilotti Rist (Grabs, Suiza, 1962) con Ever is over all (1997), en la que un paisaje bucólico en una pantalla se confronta con otra imagen de una chica de apariencia naif, con una música deliciosa, va saltando como una niña por una acera de la ciudad, una gran flor lleva en la mano. Inesperadamente, rompe las ventanas de los coches aparcados con su contundente flor.
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Reproducción de Imagen: Claudia Hernández

El juego de las apariencias, la frágil chica en vestido y con una flor se convierte en amenaza de repente. Un policía (que parece ser una mujer bajo el uniforme) va viendo lo que ocurre, pero en vez de detenerla, pasa por un lado y le sonríe. Realmente el juego de trucar los estereotipos hace que sea realmente sorpresivo.

El vídeo puede verse en Youtube

Me ha gustado en especial Destroy she said (1998) de Mónica Bonvicini (Venecia, 1965). La artista concatena una serie de fragmentos de películas en la que aparecen mujeres en diálogos o gestos, con las que logra tejer un solo discurso, en el que sin reveses invita al espectador a concretar y recrear lo que ve.

Reproducción de Imagen: Claudia Hernández

Próxima entrega acerca de Female trouble: Los convulsos años 60.
No dejen de leer el interesante artículo de carlos Mosiváis acerca de la serie Ricas y Famosas de Daniela Rossell.

(Female trouble estará hasta finales de octubre en la Pinakothek der Moderne, en la Barer Str. 40, Múnich)

Nota: este artículo ha sido reescrito un día después de haber sido publicado.

Espejos de la memoria 10- Anna Ajmátova

La garita

Yo nací el mismo año que Charles Chaplin, la sonata
Kreutzer de Tolstoi, La torre Eiffel y creo que Eliot.
En la noche de mi nacimiento se celebra la antigua noche
de San Juan (23 de Junio, Midsummer night).
Me llamaron Anna en honor a mi abuela.
Su madre fue la princesa tártara Ajmátova cuya familia
no pensó que me convertiría en poeta
y haría de este apellido mi nombre literario.
Nací en dacha Sarakini cerca de Odesa.
Esta dacha, mejor dicho, esta cabaña estaba al fondo
de una estrecha e inclinada parcela al lado del correo.
La costa marítima era escarpada y los rieles del
ferrocarril iban por el borde mismo del acantilado.
Cuando yo tenía quince años y vivíamos
en Lustdorf, pasamos una vez cerca de Sarakini.
Mamá me sugirió entrar y ver esta casa, la cual yo no había visto antes.
A la entrada de la cabaña le dije:
"Aquí algún día habrá una placa
conmemorativa", y no era vanidosa. Eso fue
sencillamente una broma tonta. Mamá muy afligida dijo:
"Oh Dios, qué mal te he educado".

1957

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Anna Ajmátova (Odessa, 1889-1966), es considerada una de las poetas rusas más importantes. En otro post, prometo entregar algo de sus poemas más famosos, en su mayoría traducidos por la músico y poeta venezolana Belén Ojeda, cuyas traducciones son consideradas las mejores realizadas al español. El de hoy siempre me fascinó (tenía otra versión pero no la encuentro) porque coincide con mi cumpleaños también y es difícil de encontrar publicado.
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Espejos de la memoria 9- El enigma y mito

de Francesca Woodman

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Sin título.

...La primera vez que vi una fotografía de Francesca Woodman (una sin título que forma parte de la colección del Metropolitan Museum) pensé que era una artista de principios de siglo, como tantas otras antiguas fotografías que el museo posee. Era un torso parecido al de una Venus de Boticcelli en color sepia, y si uno se acerca, puede ver el disparador de la cámara, en la mano de la modelo.

Su biografía apunta que nació en Denver, Colorado (1958), que realizó estudios de arte en Estados Unidos e Italia, que nunca vivió de su trabajo fotográfico, que el mismo mes de enero, recién publicado su libro: Some Disordered Interior Geometries (1981) decidió suicidarse.

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Debe ser ya la hora del almuerzo.

En lo que fue una breve carrera, la artista es ya un mito de la fotografía del siglo xx, exponiéndose, su trabajo, en museos tan prestigiosos como el Moma o el Metropolitan. En sus fotos ella insiste en un autorretrato escurridizo, lleno de enigmas, sombras, planos con figuras oblicuas, a punto de desvanecerse. Por momentos logra acercarse al surrealismo de una manera personal, como ese autorretrato bajo tenedores: Debe ser ya la hora del almuerzo, o aquel que cuelga del marco de una puerta (S/T) y que, irremediablemente, nos recuerda una crucifixión. Quizá una de los más alucinantes es en la que parece atrapada por un gignatesco árbol, titulada Early.

Sin título.

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En sus fotos, con claras referencias femeninas, se sienten las texturas, los suelos fríos, las paredes desconchadas, el barro o la arena con la que se unta el cuerpo... y a la vez utiliza como nadie la economía de recursos. Sus fotografías son los opuesto a la estridencia (no en balde sus formatos eran pequeños), oníricas, evanescentes e intensas. Todo lo que se pretende decir es a través de la sugestión.

Autorretrato (Hablando con Vince) 1975-1978

Web con más fotos: Heenan

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Espejos de la memoria 8- Oscura y luminosa Gothessa

Acento en el brillo.

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En uno de mis post hablo de jóvenes chicas talentosas que en aparecen en el portal Devianart, luego de la fresca Duhitsmia está Gothessa, otra chica de 18, esta vez rusa, con una banda de música, que también apuesta por el autorretrato constante. Al igual que la primera, pero por diferentes vías, también hay juego, representación del mundo que le es afín.

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Para caer en el cielo.

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Natalia Drepina es su verdadero nombre, a pesar de su estética y concepción gótica, logra también un toque naif que le quita hierros a lo intencionadamente oscuro, una mezcla de inocencia en busca de profundidad.

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A través del vidrio.

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Amo la estética de los Góticos, su exagerada teatralidad, la ropa, el elaborado maquillaje, la verdad es que le da color a los seres aburridos que habitamos en las ciudades, todos con vaqueros y camisas, más o menos. De adolescente experimenté una corriente parecida, apadrinada por la banda The Cure, en la que el negro era mi color, mis dedos con inmensos anillos de plata y colgantes barrocos colgaban de mi cuello.

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Not blind eyes can see.

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Se retrata siempre hermosa, impecable y arregladísima, una Lolita de lo negro, apuesta por el manejo digital de sus fotografías para resaltar detalles y potenciar algunas búsquedas surrealistas en muchos de sus trabajos. En la primera foto vemos cómo se desdibuja el rostro y solo saltan los irreales ojos verdes, profundos y hermosos y unos labios como geisha. También me gusta mucho la que aparece detrás del vidrio corrugado, una especie de sueño o red en la que está atrapada, un recurso tan sencillo y a la vez tan efectivo en sus resultados. Gothessa tiene un gran dominio de su cámara y de los escenarios en los que habita su mente. Luz y oscuridad en su concepto, aunque la primera, no se intencionada.
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Imaginación roja.

Imágenes: ©Gothessa

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